美术赏析论文范文优秀9篇

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绘画鉴赏论文 篇1

[中图分类号]G633.955[文献标识码]c

[文章编号]1004―0463(2012)05―0076―02

美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受并理解美术作品与美术现象的活动。前苏联美学家莫・卡冈认为：“在艺术中，经过艺术加工的语言只是体现艺术内容的许多具有同等价值手段中的一种手段，而诗意地把握世界――用思想感情去把握世界，较之理性的、理论的认识更为丰富，更为复杂和多面。”绘画与诗歌具有共通之处，诗中有画，画中有诗，是中国古代文人创作的传统，诗歌所体现的意境为画家创作提供了灵感，而画家笔下的形象则为诗人提供了描绘对象。为此，在美术鉴赏教学中，教师巧妙地运用中国古典诗歌，引导学生在感受诗歌意境的基础上对所鉴赏的美术作品进行联想、分析，这样不仅能够增强学生的艺术素养，而且可以提高教学质量，使美术鉴赏教学收到事半功倍的效果。

一、画中有诗

黑格尔认为，“思考能引起”。学生只有对美术作品进行深入体验、联想、分析和判断，才能感受到其魅力。绘画与诗歌具有共通之处，两者很大程度上都是一种客观事物的主观反映，意境则是绘画与诗歌能打动和唤起欣赏者对作品形象展开积极想象的源泉。中国古代大多数画家和诗人都有画中题诗，托物言志的习惯：既追求对景物的再现和认识，也注重通过一些独特的表达方式来反映自身的思想感情和追求。如，在鉴赏《板桥竹》时，首先，利用多媒体单独展示画中所题写的诗句并指导学生进行朗读：“咬定青山不放松，立根原在破岩中。千磨万击还坚劲，任尔东西南北风。”其次，在学生对该诗意境有所体验的基础上，教师进行提问：诗中所描写的竹子非常特别，你能够从诗中的哪些字句中看出来？有学生回答：竹子是不会“咬”的，“咬定青山”显然是拟人的修辞手法。也有学生说：“千磨万击还坚劲”应该是用来形容人的意志品格。再次，充分运用诗歌创造的意象为学生提供想象对象，把学生对诗歌的感觉迁移到对绘画作品的认识上来：大家能否想象一下，有这样一首题诗的画所表现的形象应是怎样的？鼓励学生通过动手画、动手写或借助语言来描绘形象，让他们通过鉴赏来印证自己的猜想是否正确。最后，再借用“衙斋卧听萧萧竹，疑是民间疾苦声”的诗句来引导学生猜想该作品是何人所画。这样做，不仅营造了良好的教学氛围，而且激发了学生的想象力，促进了学生良好品格的养成。

二、诗中有画

纵观中国文坛画史，不仅有一些画家在诗歌创作方面取得了不俗的成就，而且有一些诗人在绘画方面也表现得卓尔不凡。这些诗人将气韵是否生动、立意是否深远作为评价绘画作品艺术价值高低的一个重要标准，并将这一评价标准用于诗歌创作，进而创作出了很多描摹景物、立意深远、情景交融的诗歌作品。如，王维的《山居秋暝》：“空山新雨后，天气晚来秋。明月松间照，清泉石上流。竹喧归浣女，莲动下渔舟。随意春芳歇，王孙自可留。”这是一首五言律诗，只有八句四十个字。诗歌的篇幅虽然短小，但诗人因选择了富于表现力的自然景色和山村风光作为描写的对象，并充分利用了律诗对仗的艺术功能，从而简洁而又生动地描绘出一幅山村晚景图。“明月松间照，清泉石上流”这两句表现了美丽的自然景色，“竹喧归浣女，莲动下渔舟”则表现了动态的山村风光。“明月松间照”，是写诗人所见，是静态；“清泉石上流”，除写所见之外，更着重写听，是动态，一见一听，一静一动，错落有致而又朴素自然。“竹喧归浣女”是写所听到的声音，“莲动下渔舟”是写看到的景象，也是一听一见，但侧重于动态描写，两联形成了静和动的对照。诗人眼耳并用，把视觉和听觉形象有机地结合起来并融于笔下，既有优美的景色，又有动人的音响。看明月高照，松林一片，清泉汩汩，流于石上；竹林丛中嬉笑的姑娘们在走动，荷花晃动处渔船在穿行。这不是一幅诗意盎然的山水画吗？在美术鉴赏教学中，教师一边让学生观画，一边让学生读诗，使学生感受“诗中有画”的意境，这样能够有效提高他们的鉴赏能力。

三、诗画合一

大学生美术鉴赏论文 篇2

【关键词】文化 音乐鉴赏 方法论

现代意义上的音乐鉴赏理论应该是特定历史时期社会的政治、经济、文化发展的反映，它包括了对音乐历史概况、音乐流派特征、作曲家艺术理念、生平、音乐作品鉴赏、分析与研究以及文化学、音乐美学和音乐学等方面的学习和阐述。

本文拟从传统音乐鉴赏方法论的现况分析为切入点，通过对音乐文化定义、功能、属性、美学特征以及相互之间依存从属关系的论述，分析构成音乐鉴赏方法的深层构面和基础，达到有效地引导音乐鉴赏和提升相关效果和质量的目的。

一、音乐鉴赏方法论的现状与对策

音乐欣赏是欣赏者以具体的音乐作品为对象，通过聆听的方式和其他辅助手段（如阅读、分析乐谱和理解有关背景材料等）来领悟音乐的真谛，从而得到精神愉悦、启示或寄托的一种审美活动。

传统的音乐鉴赏理论通常有着较强的读者范围的指定性，如作为对一般公众群体的人文素养、音乐启蒙的一种普及、引导或提高，高等院校文化素质教育、音乐专业学生相关课程的教材用书等。因而，这类文献资料大多是对音乐作品内容“案例式”的介绍，突出它的通俗性和知识性，运用文学手段，并结合一定的音响实例，来对构成材料介质特殊、信息传递“非具象性”的音乐艺术予以诠释，具有学习要求较低、感性大于理性、回避文化背景因素和缺乏专业深度等特征，以达到使人们加深对音乐艺术的了解、得到审美教育的目的。

随着时代的发展和人们知识结构水平的不断提升与完善，我们应该意识到“文化因素”对音乐鉴赏所起到的深化作用与“约束”功能，注重音乐技术理论学习对音乐作品分析的辅支撑，强调艺术审美的意识形态基础，在相应的文化认知和社会、历史发展的脉络上进行音乐欣赏活动，这是高层次、高质量音乐鉴赏方法和获得良好效果的必要依托，如果仅仅以“这是什么，那是什么”图解式解说的方法来认识艺术作品，难免会肤浅。

因此，在已有研究成果的基础上，将音乐鉴赏放置在多学科背景下，以音乐艺术及其大量优秀音乐作品为载体，通过对作品实例的文化分析，在音乐鉴赏理论与其文化功能紧密结合的层面上，建立起行之有效的学习思路及其品鉴方法论，以达到提升鉴赏者人文素质和音乐鉴赏能力的目的，不失为在目前情况下相关方法论的良好对策与方略。

二、对音乐鉴赏对象的再认识

音乐作为一种社会历史现象和音乐鉴赏的客体对象，是宏观文化的一个子系统，即音乐文化。音乐文化包含了两个层面的涵义，其一是在“大文化”背景下，在“精神亚文化”分支意义上对文化与“音乐文化”之间相互关系的梳理与判定，有别于通常“音乐”概念的涵义。其二是在“艺术文化”背景下，狭义上对“音乐”本体结构这一分类概念即对音乐自身若干基本属性的认定与释义。

音乐文化是文化的组织结构成分，是与历史和社会相适应的“精神文化的物化”和一定社会政治、经济的反映，是物质文化基础上衍生出的独具特征的人类特有的一种意识形态和文化观念的集合。它随着精神文化的发展而发展，与历史、社会、哲学、思想、知识、信仰、道德、法律、艺术等共同组成一个文化子系统，以自己独特的表现方式及其价值功能，影响并作用于人类精神世界的进步与发展。

音乐文化是一个集成性的概念，其发展受各种不同意识形态的影响，正如恩格斯所说：“政治、法律、哲学、宗教、文学艺术等的发展是以经济的发展为基础的。但是，它们又都是互相影响并对经济基础发生影响。……这是在归根结底不断为自己开辟道路的经济必然性的基础上的互相作用。”据此，当我们在提到音乐文化时，它必然是政治、历史、法律、哲学、宗教等意识形态在彼此相互影响、作用后的复合体，在其所属的“大文化”背景基础上，兼而具备了“文化”释义中的所有基本属性与功能。

音乐与音乐文化是一个混淆在一起的概念，作为意识形态的一个现象类别，音乐包括了政治、经济、历史、哲学、艺术、思想、审美、观念这些精神文化的属性，无论是否提及，这些内涵因素必定存在于音乐本体结构中，对音乐的生成基因、结构模式及其表现功能起背景性、导向性的影响与基础作用。此时，音 因此，我们所说的音乐，在一定需求下，可能较多的是指音乐本体结构及其与之紧密相关的内容，但它的文化属性是与之俱来的，只要不是纯技术上对音乐的认知，任何音乐，尤其是在鉴赏和研究意义上的音乐艺术，必定都是“文化”的综合性表现。

三、音乐欣赏与音乐鉴赏

既然音乐鉴赏的客体对象是一种文化现象，而不单纯是一种个体性的艺术门类，基于这样一种认识和理解，音乐鉴赏的方法论因而具有了新的内涵和外延，首先，是对欣赏与鉴赏方法的理解和程序过程等方面的深化。

鉴是分辨、区别、领略和借鉴，赏是赏析、赏识、欣赏和趣味。人是主体和主题，所鉴所赏之人之物是体。鉴赏是含有品味、品评的成分，是比欣赏更多些主观成分的审美态度。鉴赏和欣赏相比，多一鉴字，更有区分优劣好坏之别，更强调自身的分辨价值，而欣赏更侧重领略其美好之微妙，却少了批判并确认自我之意识。

人们对待艺术可以分欣赏、鉴赏、批评这三种基本的审美态度。欣赏又可称为玩赏、领略，指一种相对被动的、多从感官出发的审美行为，常常以其感性直观引起的精神愉悦令人产生美感；鉴赏则又进了一层，往往兼及感性和理性，又带有品鉴、判断、反观的意思，所以鉴赏含有区别、品味、品评的成分，是比欣赏更多些主观成分的一种审美态度；批评是建立在欣赏、鉴赏基础上的更为理性的审美态度。艺术批评需从审美入手，取得感性认识，并且深入下去，分析作品的形式特点，归纳其精神内涵，阐述其社会意义并以理论形态陈述出来。

鉴赏音乐，指的是在—定的音乐审美经验的基础上，对音乐作品的评鉴和赏析，并因此形成具有感性意义的音乐审美判断。音乐作品是在特定的历史条件下产生的，音乐作品的产生，有赖于作曲家的情感、情绪体验与灵感、风格、取材、体裁形式以及时代背景，音乐作品产生后又对时代、社会或者时尚产生影响。要切实了解音乐作品，获得更丰富的音乐审美能力，则还需要更深入的鉴赏音乐的方法来完善。①

音乐鉴赏，主要通过聆听和感受音乐、学习音乐历史与音乐文化，培养鉴赏者的音乐感知、审美、评价、判断能力，提高鉴赏者的音乐文化素养和人文素质。从表面上看，音乐鉴赏与音乐欣赏在语义上似乎没有什么区别，但认真来看只是一字之差，可“鉴”却是更深一层的涵义。

音乐欣赏，更多的是从欣赏的角度，以愉快、美好、快乐的心情来体验一种事物，来感受音乐，并没有太多的理性思维上的学习、思索、判断与评价，只是对美好事物的欣赏、体味和体验，是感性的接触，是一个感性多于理性的审美过程。鉴赏就不同了，“鉴”字原属名词，指镜子；后词性变化为动词，转意指明察、借鉴等。使用镜子是为了比照美丑、明察良莠，然后进行比较、鉴别，进而做出判断、选择，最后给予评价和修正，这是一个理性多于感性的审美过程，换言之，音乐鉴赏也恰恰需要经过这样的审美过程。

如果说音乐欣赏是第一次的总体视听，音乐鉴赏则是欣赏后可以进入的第二个环节——更深一层的认识与学习。因此，欣赏是怀着喜欢与美好的心情去品味、感受自己认为美好的东西。而鉴赏则是对照、比较、评价判断和知识性的欣赏。从定义来看，很明显欣赏和鉴赏是在两个层次上，如果将音乐欣赏看成一片海，那欣赏就是浅海，而鉴赏就是深海。用比较文学的语言来说，鉴赏其实就是欣赏的升华，而欣赏就是鉴赏的根基。单靠知觉和感性的欣赏，决不能得到音乐的真谛，即使音乐激动了你的感情，也不算了解音乐，应该再进一步，努力向理智的路上去寻求乐曲的奥妙，因为高深的音乐是万万离不开理智的。

但是，音乐欣赏与音乐鉴赏的本质具有相通、同构和统一性特征，并非两个对立相异的概念范畴，可 在很多情况下，音乐欣赏就是音乐鉴赏，两者是在不同主观条件下，对音乐艺术感知的需求预期之间的差异而已。也就是说，在具体的欣赏活动中，任何一种欣赏方式都不是孤立的、唯一的。不同的环境、不同的心境、不同的作品、不同的欣赏者等诸多因素都会对音乐欣赏的方式和效果产生不同程度的影响，也有可能不同欣赏方式所获得的不同的感受在个人的具体欣赏活动中得到综合性的实现。

四、音乐鉴赏的理性层次

理性的欣赏是更高一级的阶段。在这个阶段中，欣赏者运用自己的音乐知识和音乐修养，从理性的高度（诸如作品产生的历史与时代、作者的哲学理念与思想状况、创作起因或动机以及作品的形式结构等）进一步欣赏音乐、分析音乐、理解音乐。这是最后完成音乐欣赏、获得完美的艺术享受的阶段。

由于音乐音响的感性形式与人的心理活动的状态具有一定的对应性，它能够通过联想，与以具有较为明确价值判断为基础的情感产生联系，因此，这就使得欣赏者对音乐作品的感受介入了一定的理性因素。贝多芬说过：“我希望人们用理性的耳朵来欣赏我的音乐。”要想对音乐有深层次的了解，就必须进入到理智的欣赏。理智的欣赏就是要从节奏、节拍、和声、调式、曲式、体裁等更专业、更理性的方面去分析作品。

因此，在理性的欣赏阶段，欣赏者不仅对音乐作品所体现出来的音乐形象有较深刻的理解，而且对于作品的主题思想、作品的形式和风格乃至作者的创作动机、表现手法都有较丰富和准确的认识。他可以从整体上了解音乐作品的结构和作品所要表达的丰富感情以及富有哲理性的思想内容。通过欣赏，使自己的精神获得极大的满足，达到一种新的思想境界。在这个层次中，欣赏者一方面深入到音乐之中，不仅对音乐的各种表现手法有较为敏锐的感受，而且对作品的形式、曲作者的创作意图和赋予作品的思想内容有较为充分的理解。另一方面，欣赏者能超脱音乐，预感到音乐将要前进的方向和发展的层次。

有些欣赏者希望通过对音乐作品的感性体验，进一步从观念层次上去把握音乐，也就是我们通常说的“理解音乐”和“鉴赏音乐”，这就需要通过概念和逻辑思维对音乐作品进行理性的思考，通过对音乐作品的创作背景、作曲家的人生经历以及与音乐作品相关事项的考察和了解，深入探寻一切与音乐作品之间的对应关系，从而强化情感体验，增强理解的深度。

我们是用耳朵听音乐的，但是我们永远无法用耳朵来欣赏音乐，只有大脑和心灵才能真正聆听和欣赏音乐。所以，充实大脑理性的判断力和心灵丰富细腻的感情是提高音乐欣赏能力的关键，试想一个空洞的大脑和乏味的心灵，即使再加上一个比他人灵敏一百倍的耳朵，也难以欣赏很多的音乐。

尽管理性的音乐欣赏方式是一种积极、主动、较为高级的欣赏方式，但是，要注意避免欣赏者对音乐作品内容的牵强附会和误读，毕竟音乐不是由概念而是由感性音响构成的，音乐不是理性的而是感性的，对于音乐作品的理解必须建立在大量的听觉感受基础之上，理解最终是为了更好地感受。

总之，音乐欣赏活动及其感性体验是极其复杂的，各种欣赏方式、各种感性体验之间相互渗透、相互补充。音乐艺术的丰富性造成音乐欣赏方式的多样性，音乐欣赏方式的多样性又进一步促进了音乐艺术的丰富性，这正体现出人类审美意识的多样性。②

结语

音乐艺术不是单纯受其自身制约的一种艺术形式，而是与社会形形的文化背景紧密地联系在一起的综合性文化现象，脱离一定的社会文化背景去揭示其运行规律和本质特征，往往事倍功半。因而，科学的方法论是音乐鉴赏获得实践效益的前提条件，在这个基础上，对音乐鉴赏的特点、个性特征和具体方式予以阐释和论述，才能达到以飨读者的目的。

注释：

①朱英萍。音乐鉴赏[M].郑州：郑州大学出版社，2006.

大学生美术鉴赏论文 篇3

关键词：美术鉴赏；教师；学生

一、美术鉴赏及其意义

美术鉴赏是在九年义务教育阶段美术课程中“欣赏・评述”学习领域的基础上更高层次的拓展与延伸。它是一种创造性的精神活动和主体性的实践活动，使学生在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，热爱本民族文化，尊重和理解世界多元文化。

高中美术鉴赏教学主要有增加学生的美术知识和艺术素养、美育、提高学生审美能力等三方面的作用。美术鉴赏教学只是一种教育手段，其认知功能、教育功能、审美功能才是美术鉴赏教学要达到的目标。高中美术鉴赏教学不仅可以培养学生的审美能力和健康的审美情趣，还可以使学生树立正确的价值观、人生观。美术鉴赏教学最主要的作用就是通过让学生感知美术这种艺术形式并进行审美体验，从而培养学生的审美情趣，提高学生的审美能力。美术鉴赏教学中使学生获取其他能力的功能是审美欣赏的继发。正如在其他学科教学中，学生也会或多或少得到一些类似艺术鉴赏中的审美体验也是其他学科的继发。

二、高中美术鉴赏教学存在的问题

1. 美术鉴赏课的地位还未提到应有的高度。

高中美术鉴赏教学的现状首先体现在学校、家长和学生对高中美术鉴赏课的不重视。学生的不重视主要表现在主科的分数压力大，每个学生都努力备战高考，没有空余时间来顾及美术鉴赏课程，把大量的时间都花在解难题，背答案上，无法抽身于美术鉴赏课之中。加之高中生美术鉴赏的能力和基础参差不齐，整体水平各不相同，对美术鉴赏的理解不能统一，导致课程难以开展。由于高中应试教育模式的影响下，美术学科不纳入高考，所以学校不重视。美术教师的业绩和学校的效益都不能与其它学科的教师同等，所以学校在进行组织教学过程中，通常将美术课的内容和时间进行压缩。家长的不重视是由于美术科目不参加高考，所以学生的学习内容都要以高考为重，他 但是美术鉴赏能力需要长时间的培养，并不是一天两天就能够做到的，如果花大量的时间去学习美术鉴赏，不如多背几个单词，多解几道难题或者多锻炼身体，保持头脑清醒。

2.高中美术鉴赏课教师素质不高。

美术鉴赏课是一门综合性较强的课程，需要有广泛的美学理论和强大的文化内涵作支撑，需要教师的美学理论知识非常丰富和教育技能的牢固，能够有效地把美术理论和美术鉴赏课紧密地结合起来，带动学生进行深入理解什么是美，推动了美术鉴赏教学的发展。然而高中阶段，由于学校、家长、学生对美术课的不重视，对美术教师各方面的要求也相对比较低，许多美术教师在这样的氛围中过着能过一天是一天的日子，没有把美术课的推进和发展提上日程，阻碍了高中阶段美术鉴赏课的发展。

3.美术鉴赏课教学手段落后。

美术其实是一门注重体验、实践的学科，教学过程中要将体验、鉴赏和实际操作相结合，是一门思维活跃、教学容量大、视野开阔的课程。然而在高中美术鉴赏课的实际教学中，教师的教学方法大多数是采用讲授法，给学生们传达的一般都是美学的理论知识，且多媒体、网络设备的使用情况也比较少，教学手段少。美术鉴赏的课程内容乏味枯燥、作品不够经典，鉴赏内容单一。教师上课不能将体验与鉴赏进行有效地结合，学生就难以理解。

三、高中学美术鉴赏课的教学对策

1. 让学生学会观赏。

美术鉴赏首先要有美术作品，教师可以选择几件有代表性的作品。在课堂上，教师应明确规定学生不准做其他科目的作业，从外部因素方面隔绝对学生有转移注意力作用的物质。在美术鉴赏的教学中，教师要让学生首先学会观赏，给学生充分的时间观察作品，期间不提问。教师不要让学生产生“观赏是为了完成教师布置的任务”的错觉，不要让学生有压力，这样学生才可能进行纯视觉的艺术欣赏。轻松的环境有利于学生产生愉悦感，在美术鉴赏过程中让视觉与心灵更紧密地交流。

2. 让学生亲身体验。

每一位艺术家在创作的时候都倾注了内心的情感。对美术的鉴赏需要心灵的感悟，只有亲身经历，才能找到艺术的思想源泉，才能体会到作品的含义。教师可以举办一次画展，安排学生寻找相关的素材，组织学生作画，最后把大家的成果拿出来欣赏和讨论。学生在欣赏和讨论的过程中可以分享作画的技巧，可以提出所遇到的问题，可以相互借鉴好的方法或者提出改进的意见。这种教学方式让学生亲身感受到创作美术作品过程中的喜怒哀乐，既取得了良好的教学效果，又让学生对美术有了进一步的认识。

3.让学生上课。

在美术鉴赏教学阶段的中期，教师可以将上课的权利交给学生，让学生主导自己的课程，充分调动每位学生上课的积极性。教师可以适当分配任务，搜集相关的艺术作品，安排学生课前预习，做好讲课的准备。教师可以将学生分为多个小组，每个小组分配不同的任务，各个小组分工合作，最后在课堂上统一起来。这样的方法与只有教师单独授课的方式相比，更有灵活性，更符合高中学生的兴趣。当然，在学生讲课的过程中，教师在旁观的同时，应当适时地做出一些指导，如提醒学生色彩选择的差异性和与美术相关的一些常识等。教师可以在学生讲解的过程中随时提出一些问题，可以加入学生的探讨，和大家一起学习，这样可以真正体现出师生的互动关系。最后，教师对整堂课进行总结，指出学生讲课过程中的不足之处，对优秀的表现做出肯定。

参考文献

大学生美术鉴赏论文 篇4

关 键 词：艺术审美教育 教学改革 教育创新 社会效益

“艺术教育的理论与实践”工程，从1990年开始围绕开拓学生视野、提高学生兴趣而在泰山学院中文系进行艺术鉴赏讲座，1995年面向中文系学生开设艺术哲学课，1998� 1998—2007年，在中文、历史、政治、物理、化学等专业开设“美学与艺术鉴赏”“艺术鉴赏”两门课。2002年3月，“艺术教育理论与实践”研究被确立为山东省教育科学“十五”规划课题，学校拨专款予以支持，并将艺术鉴赏确立为全校人文素质类公共选修课。2004年开始，成熟的艺术鉴赏公选课面向全校开课，深受学生欢迎。其间“艺术鉴赏”还曾应邀为多校开课，均受到热烈欢迎。

我国自1957年将“美育”从教育方针中删除之后，直到20世纪80年代美育类课程才逐渐恢复。到了90年代，北京大学、清华大学等高校才逐渐开设音乐鉴赏等艺术教育课程，但国内高校大都是进行部分门类的艺术教育，缺少艺术门类全面的以鉴赏陶冶为主的艺术审美教育。我们所实施的“艺术教育的理论与实践”工程的特点是：针对当前大学生在中学阶段专注应试教育、情感世界没有得到陶冶、想象力普遍偏低、意志力普遍较弱、审美潜力没有及时开发的实际，本工程重视艺术审美教育而淡化技能训练。一边授课，一边进行教学方式的改革，理论与实践相结合，课堂教学与实地教学相结合，综合运用了启发式教学、情境教学、异步教学、快乐教学等多种教学方法，收到了十分满意的教学效果。

教学成果“艺术教育的理论与实践”工程的基本内容包括：第一，两门课程：（一）美学与艺术鉴赏。已在学校中文系各专业开设5年，所讲内容主要包括美学基本理论和各门艺术基本理论与名作鉴赏。（二）艺术鉴赏。2004年被确定为全校选修课，所讲内容为艺术教育与人的全面发展，艺术的本质与特征，以及建筑、园林、绘画、雕塑、音乐、舞蹈、书法、戏曲、摄影、影视等艺术门类的中外艺术名作鉴赏。第二，两种教材：（一）《美育概论》，李长风、姚传志编著，山东人民出版社1998年版，由曾任全国高校美育学会会长的山东大学校长曾繁仁教授作序，被泰山学院、山东科技大学成教学院、山东电力学校等大中专学校作为美育课、艺术鉴赏课教材使用多年，获得广泛好评。（二）《美学与艺术鉴赏》，教育部确定的面向21世纪人文素质教育教材，首都师范大学出版社1999年版。中国人民大学金元浦教授主编，笔者也是主要编写者之一。教育部领导作序推荐。第三，两项教改实验：（一）学校1998年教改改革立项“实施艺术教育，培养高素质人才”。已完成，得到省内专家评议组的好评。（二）2002年山东省教育科学“十五”规划立项“艺术教育理论与实践研究”。已完成，并有论文《论艺术审美教育在高校素质教育中的作用》获山东省高校艺术教育科学优秀论文一等奖、全国高校艺术教育科学优秀论文三等奖。第四，一种综合多种教学方法的素质教育教学模式。课堂教学中，我们没有固守某一种教学方式，而是从学生的收益出发，综合启发式教学、异步教学、情境教学、讨论教学等多种教学方式，教师主导，学生真正成为学习主体，极大地调动了学生的学习积极性，学习效率大大提高。第五，一套多媒体艺术鉴赏课件。耗费大量时间、精力，从网上下载各门类古今中外艺术名作，通过自拍艺术名作、反拍典籍中外名作，录音、剪辑等手段，制成多媒体课件，并配以简要讲解、鉴赏。实践证明，配合教学能够“图文并茂、情境真实、效果显著”（学生评价）。第六，创建了多处审美（艺术）教育基地，实施多样化的实地教学。笔者对泰山文化——特别是泰山的建筑、园林、书法、绘画、雕塑、碑刻、民俗、诗歌、散文等门类的艺术有较多的观察、体验和研究，发表过许多有较大影响的论文。得到泰山风景名胜区管理委员会和岱庙、普照寺等景区的大力支持，我们将岱庙、普照寺等景区作为泰山学院学生的审美（艺术）教育基地，实行多样化的开放的实地教学。方式有两种：一种是教师亲自带领整班同学，实地观赏，现场讲解；一种是教师带领“艺术教育学习兴趣小组”的同学实地参观、考察、研究、赏析，之后由“艺术教育学习兴趣小组”的同学分头带领班内同学实地游览、观赏、学习。这种“把读书与行路、做人与做事、游玩与学习、弘扬泰山地方文化与艺术审美教育有机结合的教育形式”深受学生欢迎，教育效果和社会影响都十分显著。

“艺术教育的理论与实践”工程的创新点：在我国的审美教育课、艺术鉴赏课中断几十年后，一线的教师异常缺乏的情况下，我们几位教师在承担文学理论、中国文化概论、艺术概论、西方美术史、西方音乐史等多门中文、美术、音乐课的同时，一边在科研中提升自己，一边为学生搞讲座、开课。新开设的“美学与艺术鉴赏”（中文系）、“艺术鉴赏”（公选课），使党的教育方针中的“美育”真正落到实处。这本身就是最大的创新。笔者参编的《美学与艺术鉴赏》教材被教育部确定为21世纪高校人文素质教育类教材，填补了我国美学教材建设方面的一项空白，编著的《美育概论》也属于“创新简明科学实用”、在全国范围有较大影响的美育教材。具体课堂教学中，本项目没有固守某一教学方法，而是根据教学实际综合运用多种教学方法，还利用幻灯、录音、录像、多媒体课件、实物展示、实地观摩测量体验等多种教学手段，使教学形式多样化、趣味化，学生学习艺术课的兴趣和效率都大大提高。录音剪辑合成、多媒体课件制作都具有较高的科技含量。而利用世界自然和文化双遗产泰山所积淀的审美（艺术）资源进行富有地方特色的多层次开放式实地的审美（艺术）教育更具有创新意义。

“艺术教育的理论与实践”工程的社会效益：以《美学与艺术鉴赏》《美育概论》为教材的艺术鉴赏课，得到泰山学院、国家公务员泰安培训中心、山东科技大学、山东电力学校、山东新汶中学等多家院校、培训机构的应用。听课学生普遍反映，笔者所讲的艺术鉴赏课、美育课形象生动、思路开阔、逻辑性强，加上幻灯、录音、多媒体等现代化教学手段的广泛而又恰当运用，大大激发了学生的学习热情，学习效率大增。通过开设艺术鉴赏，学生的艺术修养得到迅速提高，审美能力大幅度提升，综合素质显著提高，取得的社会效益十分显著。

“艺术教育理论与实践”工程十几年来一直得到泰山学院等学校和山东省的大力支持，已经取得了一系列富有创新且便于操作的成果。该成果2007年获泰山学院优秀教学成果一等奖，其中总结教学效果的论文《论艺术审美教育在高校素质教育中的作用》，2005年获得山东省高校艺术教育科学论文一等奖、全国高校艺术教育科学论文三等奖。该成果的进一步推广应用，必将在更大范围带来更大的育人效益。

参考文献

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[2]（美）霍华德·加德纳。艺术与人的发展。光明日报出版社，1988年版。

[3]（美）霍华德·加德纳。智能结构。光明日报出版社，1990年版。

[4]张志勇。情感教育论。北京师范大学出版社，1993年版。

[5]李长风，姚传志主编。美育概论。山东人民出版社，1998年版。

绘画鉴赏论文 篇5

一、知人论世，探知本质。

古典艺术以客观世界为参照对象，艺术家按照看到的世界来描绘对象，画作是世界的一面镜子，真实地折射出外部世界。而西方现代绘画不再追求客观的真实，而是追求内心的真实，其艺术理念、艺术标准、创作方法、语言形式、思想情感与古典绘画有很大的差异。如果按照传统的欣赏方法就可能看不懂画家的表现形式和主题思想，所以，要想欣赏现代艺术，就必须先了解现代艺术产生的土壤——现代社会、哲学思潮、艺术家经历，等等。知人论世是走进现代绘画的基本方法，就是要了解艺术家所处的社会环境、社会思潮、艺术家的身世经历、理念追求等。现代社会摄像机的出现代替了绘画的写实功能，于是绘画不再执着对外部客观事物的描摹，而是寻找新的出路和存在价值，从而转向内在情感和精神实质。教师必须让学生了解现代工业社会物质经济发展带来的精神变动，如哲学和宗教新思潮，这对艺术产生了巨大影响。更重要的是艺术家的追求推动着艺术的变革，现代艺术如果没有艺术家的解说和评论家的阐释，则其确实难以理解。比如，要了解印象主义绘画就必须从1863年巴黎艺术界“落选者沙龙”谈起，马奈的作品从内容到形式的创新不符合学院派的审美标准而被大肆批判，从此以马� 马奈在1867年展览会前言写道，这些反对者都是以传统观念来理解绘画的形式、手法和观点的，他们从不承认其他的理解形式，而是在这方面表现出一种幼稚的偏见：除了他们的公式，一切毫无价值。马奈先生一向承认别人的才能，从不妄想消灭前人的绘画或者是创造新的绘画，他只不过决心要做他自己，而不是要做某一个别人。印象主义者们走出画室，在户外转瞬即逝的生活瞬间和自然界的光色变化，进行现场绘画创作，由此开启一个个流派的艺术实验。只有了解凡·高狂热的宗教情怀才能体会其《星空》中用火焰般、漩涡般弯曲的运动线条表现出的强烈激情；只有了解高更对都市文明的厌恶和对原始文明的向往，才能理解他住在塔西提岛思考《我们从哪里来，我们是谁，我们往哪里去》这样的人生哲理问题……知人论世的鉴赏方法可以使学生按艺术家原本意图对作品进行理解，这种从艺术家的立场来解读作品，是最基本的赏析方法。

二、点面结合，探知风格。

“点面结合”是指以艺术家的代表作或一幅画为出发点和切入口，然后结合艺术家的其他作品，感知艺术家的时代风格和整体风格。比如了解凡·高，可以把《星空》作为突破口，可以设置一些问题让学生思考：其构图、线条、色彩有何特点？他描绘的夜空和你看到的有何不同？画家这样表现的目的是什么？你从中感受到怎样的情感？经过讨论后，可以让学生欣赏其他作品，如《向日葵》、《吃土豆的人》、《自画像》、《夜咖啡馆》等，学生自然会归纳总结凡·高作品中物象的扭曲变形和色彩的强度明度，从而感知凡·高作品独特的风格。点面结合的方法可以使学生较为完整地把握一个艺术家或一个流派的风格特色。风格是一个艺术家最为显着的标志，特别是现代艺术中，层出不穷的众多流派需要抓住特征来分辨，每个流派的画家又有不同的风格，如印象主义绘画中莫奈和雷诺阿有区别，塞尚、凡·高、高更又有区别。所以，点面结合的方法，可以使学生了解画家的整体风格，而不是仅看到局部和表象。

三、纵向联系，彰显个性

现代派绘画是在反叛甚至颠覆古典传统绘画的基础上建立起来的，其与生俱来的叛逆性带来了绘画艺术的不断革新。各个流派都是在否定他人他派的基础上提出自己的新主张。运用纵向联系的手法就可以以历史为主线，把各个流派贯穿起来，分辨各流派的艺术追求。比如塞尚放弃了印象主义画家所采用的快速作画的方法，而对物象进行深入、长时间的分析，专注于物质的实体性、稳定性和内在结构的表现，“用圆柱、圆球、圆锥体去处理自然”。其画法影响了毕加索，毕加索对塞尚式的形体和结构进行了概括性处理，用几何形体的组合拼接来构图，创建了立体主义流派，其肢解破除了传统艺术家对“自然形”的认识，从而产生了空间和结构的心概念。立体主义形体观念对其后的艺术实验产生了重要启示。表现主义、未来主义、抽象主义都从中吸收了不同的营养。抓住形体这一线索，就可以把这些有传承关系的流派联系在一起，这样的纵向联系和对比，可以使学生清晰地把握各流派的异同点，体察现代艺术发展变化的规律，对现代艺术有更深入的认识。

四、创作实践，领悟精神。

现代艺术的鉴赏要不断突破传统视觉程式的束缚，培养学生现代的审美眼光和审美趣味，创作实践活动是培养鉴赏能力的途径之一。在教学活动中可以加入创作体验的小环节，加强学生对现代绘画理念或技法的认识。如在鉴赏立体主义绘画时，可以让学生用几何图案变形拼接成一定的物象，并说说这样构图的意图，也可以让学生相互评价，还可以加入拼贴和实物要素，让学生感知材料、物质要素对绘画的影响。教师要根据不同流派和画家的创新处设置简单可行的小练习、小实验，让学生亲身体悟现代艺术的理念风格和审美追求。这样的方式就把艺术理论与艺术实践有机地联系起来，综合提高学生的鉴赏能力和思维水平。

五、面向生活，慧眼识别。

绘画鉴赏论文 篇6

于是，我忽然想起了余秋雨先生笔下的“文化苦旅”，想起了那座东方佛国，也曾是生我养我的那片神圣的土地敦煌“莫高窟”，想起了此生的颇多经历和坎坷。于是，那一片始终在我心中记忆犹新，却并不庄严和巍峨的塔林，便突然间又变得鲜活起来。

那片塔林坐落于“莫高窟”的大门外，从远处眺望，它处于离窟群并不遥远的地方。那里有一条河，那是一条并非常年奔腾的河。趟过那浅浅的小溪般的河水，便可见一片空地。正是那片空地上，高高低低地建着一片僧人的圆寂塔林。

那些塔呈圆形，状似葫芦，外敷白色。从几处坍弛的塔迹看，几乎每座塔心均竖有一根木桩，四周均以黄泥塑成，基座一律垒以青砖。从这里可以看出，或可以就此作为佐证，历史上，曾在这里住持莫高窟的僧侣们，均不富裕。

仿佛就成了一种佛教和文化的“定义”，或曰一种“禅宗”文化的宿命吧。正是出于这样的缘由，注定了古今僧侣和文人，就必须脱离名疆、利锁；必须以出世而做入世之事；必须苦其心志，劳其筋骨，饿其体肤；或自度、度人，自觉、觉人；或“穷则独善其身，达则兼善众生”。从而将所有遇到的艰难困苦和挑战，变成一个个自我修行的过程，将所有艰辛的文化研究、探索、艺术表达，成为一种“文化的苦旅”。

或许真的就是由于这种文化的玄学，文化的精神，文化的影响所致吧。否则，半个世纪过去了，那夕阳下，凛冽寒风中，那个破落群体的无比悲凉记忆，为何依然深深植根于我的脑海，每每重要当口，十分关键时刻，便会清晰地映现在我的眼帘。否则，尽管时令变幻，人生转折，生活有了颇多的变故，尘世有了更多的喧嚣与纷扰，我却依然能够保持着一种苦心孤诣，一种不倦于岁月的笔耕，一种从容的人生境态。既为历史、文化、世间沧桑而咏，又为生活新知、艺术新知而赞。每每于一种豁达的心境之中，在一种历尽坎坷却颇能积极的心态之中，心到何处，笔便也能到了何处。进而以一种禅的修炼意境，去品味历史、品味文化、品味艺术、品味人生。努力书写一段如歌的岁月，表达一种翰墨真情，担起一份历史和社会的责任。

一部艺术哲学史，早已清晰地标明，中国画是充满人文精神的艺术作品，中国画的创作历来是以人文精神为主体的。“外师造化，中得心源”，这一概述虽讲的是客观与主观的两个方面，揭示的却是以人为主体的艺术行为，是画家主动挖掘与表现艺术之美的行为。中国画将诗、书、画、印、论有机地融合，实际上是中国文化孕育出来的综合艺术，而画家往往又是诗人、思想家、书法家、理论家。他们往往有着深厚的国学修养，是一个个具有丰富文人精神的社会特殊群体，诸如坡的诗文、书画皆佳，齐白石的诗、书、画、印、山水、花鸟、人物皆精，而遍阅宋元明清诸多大师的作品，则无一不是这一个个群体中的优秀代表。

当然，中国书画艺术历来属于中国文化的重要组成部分。作为民族文化艺术的瑰宝，尤其是绘画艺术，远在五六千年前的新石器时代，先民们就能以矿物作颜料在陶器上绘成精美的纹饰。考古发现，最早的卷轴画，是湖南长沙出土的战国龙凤人物及人物御龙图两部帛画。汉代以壁画人物为主，稍后，出现了山水画。唐代是中国绘画的繁盛时期，名家辈出，遗存了很多作品。此时，绘画的技术不断出新，题材种类日益丰富，除人物画外，还出现了花鸟、马、牛等绘画品种。表现的技法有工笔、写意，其中工笔又有白描、重彩、淡彩之分，写意又有大写意和小写意之别。王维独创的水墨淡彩山水，提出了诗中有画，画中有诗的绘画理论，开辟了文人画的新天地。宋代各种画科有所发展，题材更加广泛，画派林立，盛极一时。元、明、清三代绘画，沿袭了宋代院体画与文人画的画风，涌现了诸多名家和名作。近代则出现了海上画派、金陵画派、岭南画派、京津画派。其中海上画派对近代美术史影响最大。近现代画家在继承传统的基础上，多注意吸收西方艺术之长，发展创新，从而使画坛上出现了百花齐放、百家争鸣的局面。在长期的发展演变中，中国书画艺术、绘画艺术，逐渐形成了一种民族文化的精髓，成为中国文化学的一个重要分支。

历代皇家和官宦阶层的书画鉴赏、鉴定和收藏活动一直就很早，民间的此项活动则稍稍要晚一些，但真正发展起来之后却并不逊色。

到了封建社会的晚期，中国书画的品鉴和收藏活动，愈� 时至明清两代，书画鉴赏、鉴定 、收藏，甚至已�

如今的中国社会，已将书画鉴赏、鉴定和收藏，将古今书画作品的整体，视为了全人类的文化遗产而精心保护。事实上，正是由于鉴赏者的珍惜，鉴定者的保护，收藏者的关爱，使得书画作品具有了非凡的生命力量，具有了延续存在的可能；使其可以穿越漫长的时间隧道，通过遥遥的空间承转，生命彼此的流注，使精神古今贯通。

然而，并非所有的投资均那么简单，一帆风顺。书画艺术不同于普通商业、产业的投资，其独具的专业性与学术性，已令许多热衷于此的人们望洋兴叹，不着要领，败下阵来，尝足了惨痛的教训。

如何将一种基本的书画理论概念，传统而浅显易懂的书画欣赏、品鉴、鉴定常识，书画欣赏、品鉴、鉴定实践经验，有效地传播给广大的受众；如何将一种直接的对古今书画名家、大师、作品和风格的具体赏析和品评，形象而直观地传达给广大读者和爱好者。尤其是将生活在我们同一个时代，相对家喻户晓的当代名家及其作品，立体地进行介绍，较为准确地进行评论，全面地普及性地将他们的人生阅历、艺术追求、艺术风格、艺术贡献，尽可能有效地、生动地展现给广大观众和读者，是我撰写这部六十多万字的书画、美术、评论、鉴赏、鉴定专著《翰墨情缘》的初衷，也是继2005年作家出版社为我出版美术、书画、评论专著《岁月如歌》之后，出版的又一部新著。在这部专业的新著中，经过不断的改进和努力，与第一部相比，我在努力做到内容更加广泛、丰富，内涵更加精确、深邃，知识更加系统、全面，时间空间跨越更加久远、完整、合理，进而以突出知识性、普及性和当代性为重点；兼顾古代、近现代流派、大师和代表画家；尤其对元、明、清以来作品存世量较多的画家，多次亲眼目睹其精品佳作的古代、近现代画家及其作品，重点作了赏析和品鉴；同时又兼顾与当代画家们之间的艺术交流、文化共鸣、真情与友谊。经过长期的不懈努力，从收集到的该著相关的一百五十多位古今画家的五千多幅作品图片中，精选出了三百多幅，作为配图和插图，以供读者欣赏、鉴识、认定、掌握，以便于读者全面提高对不同时期书画珍品的欣赏层次，辨伪辨仿能力，收藏鉴赏水平。

在该著的创作过程中，北京画院资深老画家、刘海粟大师磕头关门弟子、北京湖社画会原老会长王挥春先生，为本书提供了封面绘画，题写了书名和长篇题词。近代绘画大师陈少梅先生之子陈长智、儿媳林庆萍夫妇，为该著精绘了封底作品。恩师周宏兴先生，著名老画家林心传、冯向杰、衣惠春、臧焕年等众多名家朋友，先后为该著题词、绘画，均付出了一份份友情与真诚。我的师妹、著名作家、冰心文学奖获得者、北大学者梁宾宾，文化艺术评论界、电影、文学界的著名评论家曲丽萍女士，再次为我的新著写序。摄影记者潘松刚，同事罗锋、莫丽霞、魏瑞亮、石雅茗，还有许多文化界、出版界的朋友、领导、编辑、照排、校� 特别使人感动的是，时隔六年，作家出版社又一次为我编辑出版新的美术书画评论、鉴赏、鉴定专著，借此机会，我一并表示真诚的感谢。

尽管该著在撰写的过程中，经多年的刻苦努力，我已做过精心的学习准备和知识储备，但在如此浩瀚纷繁的信息传达中，由于种种原因，定会有失误和纰漏，望广大读者批评和原谅。好在书画艺术的目的在于传播一种文化，《翰墨情缘》的灵魂在于传达一种艺术精神，在于讴歌艺术家的一种良知、道德和精神修养。

一个好的艺术家，就是一个经典艺术文化的传播者，一件好的艺术作品就是艺术家灵魂和血肉的一种结晶，乃至成为一个民族的精神和经典文化。画家的人生价值不仅仅在于画出一幅幅精美的作品，更在于画出一个个精彩而又精美的艺术人生。欣赏、收藏也是一种文化，一段历史。常言：“高赏、高藏者儒，低俗、低藏者丐。”离开了文化，鉴赏与收藏也就失去了原有的意义，离开了历史，任何赏家、藏家便失去了应有的价值。

绘画鉴赏论文 篇7

不用说，这一方面是受到欧美文化的影响，另一方面也是中国社会分工的

最近一百年，中国绘画总体上也经历了从『鉴赏到『观看的巨大转变。

旅行的途中常去看博物馆，有个印象特别深刻的事情，就是同样是古典绘画，意大利等欧美国家的绘画就是一张画面，最多有个作者签名，而中国古典绘画出了绘制的图形，边上往往会有题字乃至题诗，有章、印，有后世藏家的鉴赏印等等。这一点差别不是小事情，说明了在中国“文字文化”的发达――这里不用“书法文化”，盖因不仅仅关系字写得如何好、如何有风格，而是题字、题诗与图画构成的互动关系要比“书法”深入。

题字、题诗或者是对绘画的点题、深化、拓展，或者是对画法的称颂，是对古贤的追慕，总之，是要让绘图与更大的文化背景建立正向的关联，这是一种习惯成自然的“文化习性”。这或许也是中国近古的“鉴赏文化”与欧美近代的“观看文化”的区别的表现。“观看文化”主要是直接观看绘画，从主题和技法进行解读，而“鉴赏”则是一种有益的旁及社会文化背景、社交关系的反复对话、品赏。再往上说，欧美中世纪大盛的宗教艺术则不是“观看文化”，而是“说明文化”或者说“宣传文化”，是布告古贤事迹，引导信徒向善信教。这倒是与中国古典的宗教绘画的主旨一致，说明在古代其实绘画文化的进路是差不多的。

分歧是在近代才发生的。这个近代在中国是指元明以后，也就是所谓文人画渐趋主流的时代。在欧美，则是文艺复兴以后的，他们由文化复兴和启蒙时代，思潮迭起的同时，也是商业机制扩展、社会分工细化，图像绘制专业工作者――画家作为一种社会身份的正式确立，有供有需，所以可以独立自足。

反观中国，文人画兴起的一大背景就是世人业余画画――有的人几乎是全职画画，但也要装作是偶尔把玩，因为中国文人的总体文化信仰是“齐家治国平天下”。这似乎与画上的几座山、几处水、几支梅拉不上关系，就需要文字来给予阐发、说明，至少也关乎天地理气，只是写实临摹就显得局面太小。按理说，到明清时候，随着都会商业的发展，不仅官僚、文人，就连富足之户也会买画欣赏了，但是诸如扬州八怪之类商业画家还是有点扭扭捏捏。

大学生美术鉴赏论文 篇8

关键词：大学美术；鉴赏课程；教学实践

在经济的高速发展、人们生活水平不断提高的时代背景下，中西方文化相互融合，我国的美术鉴赏课程也在不断发展。美术鉴赏课程可以提升大学生的艺术品位和对美术的鉴赏能力。但目前，大多数学生对于美术鉴赏课程的积极性不高，缺乏主动钻研的精神，美术欣赏能力和相关的理论能力较差，这些问题都影响了学生审美能力的提升。本文论述了大学生美术鉴赏课程教学存在的问题，并针对问题分析其解决的策略。

一、大学生美术鉴赏课程教学存在的问题

（一）大学生学识与修养方面存在问题

大学生的学识与修养是指大学生文化知识和道德素养。近年来由于就业形势的严峻，特别是非美术专业的学生，将大量的时间都浪费在了专业课的学习，影响了美术鉴赏课学习的质量。受传统教学模式的影响，学生只是

（二）师资队伍方面存在问题

对于美术鉴赏课程，学校方面没有给予高度的重视，没有配备专业的教师和教学用具，致使美术课程的专业性和教学效果都没有到很好的传承。有相当一部分高校在美术鉴赏课程的教学中存在很多问题，导致了学生学习的兴趣不高，没有把情景参与到教学中来，只是简单地讲解理论知识，无法引起学生的学习兴趣。

（三）学校管理层的问题

美术鉴赏教学，是实施艺术教育的重要途径，学校必须要积极培养学生的审美情趣，促进其综合素质能力的提高。要切实认识到美术课程的重要作用，保证培养高素质人才目标的实现。目前一些高校对于美术鉴赏课程的认识还不够，各种教学措施也相对落后，没有建立相应的课程体制。

二、提高美术鉴赏课程教学的实践措施

（一）在教学观念上强调美术鉴赏课对学生的重要性

在教学过程中要让学生感受到美术鉴赏课所带来的重要作用，在观念上重视美术鉴赏课程，进一步促进学生积极主动地接受美术鉴赏课。另外，伴随着人们生活水平的提升，审美已经走到我们所生活的各个角落中，各种艺术设计在生活中随处可见，现代学生如果不具备一定的艺术修养与审美能力，对于日后的发展会有滞后的影响。而学生在以后的就业过程中具备一定的艺术修养与鉴赏能力，在日后的工作过程中会有独到的想法与见解，在各种工作实践过程中能够提出具有创造性的主张。

（二）通过创设情境引导大学生主动学习

要想开展美术鉴赏课的情境教学，教师需要运用多媒体，制作课件，配上独特的风格的图片和优美的音乐，在视觉上激发了学生的学习兴趣，这是最有效的教学方法之一，通过多媒体的动态教学方法，可以引导学生积极主动地学习。另外，教师在教学的过程中，要将教材的内容与课外活动相结合，要尽量和学生的生活相融，在生活中寻找美、发现美。

（三）做好课程的导入

新颖的导课方式，不仅可以加强学生的课堂代入感，同样也可以增强学生的兴趣。每一份经典美术作品的艺术沉淀都是经过了千锤百炼的，而将不同的艺术形式同时展现也可以产生共鸣的效果。如何在美术鉴赏课程的教学中产生这种共鸣，使得不同的艺术形式“浓妆淡抹总相宜”，便是我们要考虑的关键问题。

在欣赏艺术大家的经典作品时，可以通过相关的影音资料使学生了解艺术作品的创作背景，艺术家的生平经历等。例如，我们教师在讲西方后期印象派代表人物梵高的《向日葵》时，可以先以梵高的肖像画为引，对其耳部的残疾产生疑问和话题后，利用多媒体播放《Van Gogh》的电影片段，使学生们了解梵高的人生经历和创作背景，从而使学生在欣赏中就能够进入大师梵高的精神世界和感情世界，对进一步鉴赏梵高的经典画作有了基本的了解。

（四）创设疑问激发学生的主动探索精神

学生的主动探索精神能够增强学生思维能力，促进学生情感的表达和审美观念的提升。探究性学习的教学策略，以大学生疑问为向导，激发了学生的学习兴趣和积极性。在探究式学习中提出应对不同的问题都要与实际问题相结合，只有学生切身地去体会，提高人文素养。

在以往的美术鉴赏课程的教学中，大多数教师都采用教师讲、学生记的教学模式，这样的教学模式不能激发学生独立思考的能力，而是更多的讲解书本上的理论思想，将总结好的观点灌输给学生。为此，在美术课程的学习中应多注重对课堂教学思想的设问讨论，让同学们通过学习，发表自己的观点，并提出自己的见解。通过学生主动探索的精神，不仅培养了学生的主动性，在根本上也让学生善于发现问题，并通过自我探究来解决问题。

三、结论

随着我国绘画艺术的发展，美术鉴赏课程也在教学课程中占据越来越重要的地位，艺术来源于生活，并被人们在生活中所应用。我国高校根据市场的要求，高度重视美术课程的教育，以市场需求为出发点，优化自身与高校发展达到互利共赢。当代教育不应该局限于知识的传授，还更应该注重人的全面发展。总之，通过美术教育工作者的不断努力，新世纪的美术教育应该是开放的、不断发展的，在教学理论与时间的结合上也将是更加成熟的。

参考文献：

[1]王琼。大学美术鉴赏课程教学实践探析[J].大舞台，2012，05：219-220.

绘画鉴赏论文 篇9

摘要本文从了解绘画的种类及特征，了解中国绘画独特的表现形式和审美情趣，以及写好绘画评论应注意的问题等几个方面，对如何鉴赏绘画作品、如何写好绘画评论，进行了分析与探讨。

关键词：绘画鉴赏 中国画特征 审美情趣 绘画评论 写作

中图分类号：J20 文献标识码：A

欣赏绘画作品已� 不论是举办美术展览吸引的千万观赏者，还是独自在家翻阅画册，或在居室内悬挂几幅喜爱的名画，都可以从中获得美感享受。可见欣赏绘画与人们的精神生活息息相关，欣赏绘画不仅是人们的审美需要，而且在欣赏过程中也会不断提高人们的审美修养，净化人们的心灵。为了提高人们的欣赏水平，经常写一些有关绘画的评论文章是非常必要的。可我们很容易发现，好的绘画评论文章着实不多，其中绘画知识的缺乏、不懂得如何欣赏，是影响绘画评论写作的一个重要原因。为此，针对如何提高绘画欣赏水平，写好绘画评论，谈几点粗浅的认识。

一 了解绘画的种类及特征

欣赏和评论好绘画作品，首先需要了解绘画的种类及其特征。如果按绘画使用的工具材料的不同，绘画可分为中国画、油画、版画、水彩画、水粉画等等；按表现对象的不同可分为肖像画、风俗画、风景画、静物画、历史画等体裁；按作品形式不同又可分为壁画、年画、连环画、宣传画、漫画等式样。每一种绘画，都有自己表现形式的特点和不同于其他种类绘画的技法、技巧等，这里只是将各类绘画的共同特征略加说明。

绘画是造型艺术中的一个种类，同其他雕塑等造型艺术不同，它是在一度空间，通过平面描绘的方法来塑造人物的形象和周围的现实情景。这种二维的造型艺术，有其自身特点：

1 绘画取材广泛，具有特殊的表现力

对于绘画，只要是可见的客观事物，包括自然风景、人物、社会生活等各个方面，都可 东汉王延寿在著名的《鲁灵光殿赋》中描述殿中壁画时说：“图画天地，品类群生。杂物奇怪，山神海灵。写载其状，托之丹青。千变万化，事各缪形。随色象类，曲得共情。”可见绘画在平面上能把各种可见事物予以表现，即所谓“图画天地，品类群生”。而且由于绘画(特别是近代绘画)重视空间透视关系的科学性、形体的准确性以及色彩的逼真性，因而在反映客观事物的具体性上，远比其他艺术样式(例如语言艺术)更为确定。在再现对象的形貌神情和丰富色彩方面，具有特殊的表现力。比如敦煌莫高窟至今尚存的一幅北魏时代创作的壁画《狩猎图》,描绘了两个骑马的射手正在林中和群兽搏斗，近处一人跃马而起，张满弓弦，向着扑过来的猛虎射去；远处一人纵马奔驰，追逐着一群黄羊或者野鹿，迫急如飞。这幅画生动地描绘了当时我国西北地区游牧民族狩猎生活的场面，为今人了解那时的社会生活提供了形象的教材。晋朝陆机说：“宣物莫大于言，存形莫善于画”,正是指出了绘画的这种特长。

2 绘画着重表现事物的静态和运动的瞬间

莱辛在《拉奥孔》一书中说：“绘画在它的同时并列的构图里，只能运用动作中的某一顷刻，所以就要选择最富于孕育性的一顷刻，使得前前后后都可以从这一顷刻中得到最清楚的理解。”这就是说，绘画不论要表现多么复杂的场面，多么曲折的事件过程，也只能描绘出静止不动的形象和事物在运动中的瞬间状态。因此，从表现时间和运动上说，绘画有它的局限性。但是，这不等于说，绘画无法表现对象的运动过程。以静显动，依靠那些不动的形象去暗示人物的行动，唤起观者展开想象，正是绘画表现手段的特殊性。这里的关键是选择和处理静中有动的画面。

19世纪法国著名画家米勒有一幅名作《倚锄的男子》,画面上一位倚锄的农民，站立在锄过不久的土地上，伏身向前望去。画面上的人物虽然一动不动，却使观者感受到“他刚刚劳动过而且疲劳了――这就是说，他正在休息而且还要接着劳动。”中国画论中说：“虚实相生，无画处皆成妙境。”在中国绘画大师齐白石的笔下，几只河虾，一群蝌蚪；或者一枝干莲蓬，配上一只蜻蜒和几道水波等等，都能虚实相生，静中显动，鲜活跳跃，生机盎然。这得力于画的巧妙构思。因此，懂得绘画艺术的基本特征，是进行评画论画的基本条件。

二 了解中国绘画独特的表现形式和审美趣味

一般来说，中国人大量接触和欣赏的是中国画家的作品。中国画的历史十分悠久，1921年在河南仰韶发现的彩色陶器上的纹样和装饰，便是我们祖先原始的绘画艺术，距今约有六千年。在几千年漫长的历史发展过程中，中国绘画形成了自己的传统特点，与西洋绘画判然有别。要欣赏和评论中国画，就需要了解中国传统绘画的特点。

中国传统绘画基本上可分为三个门类：人物画、山水画、花鸟画。每个门类又包含种种不同的风格和流派。但不管分支多么繁复，只要是中国画，在构图、用笔、设色三个方面，都有着共同的特点：

1 从构图上看

西洋绘画在构图布局上的一个最大特点是遵循透视的原理，画面上的一切物象，都是从固定的视点出发进行描绘。如果画家要画眼前一座大山，只能画出视线所及的景物，大山后面的一切也就无法进入画面。而中国画则不受这种制限，因为中国画是没有固定视点的。画家眼前虽是山重水复，他却可以移动自己的脚步，绕到山后去发现那里的宜人景色，所以在国画中可以出现“山外青山楼外楼”的奇特景观。西洋绘画的构图方法称为“焦点透视”或“远近法”,而中国绘画的构图方法则称为：“散点透视”或“积累远近法”。

2 从造型手段看

西洋绘画大都以明暗块面来描绘对象，而中国绘画却擅长以线条来写情状物。中国历代画家所描绘出的那些动人的艺术形象，都是由线条勾勒而成的。晋代顾恺之的名画《洛神赋》,画中的洛神形象异常生动，真是“翩若飞鸿，宛若游龙”,而这形象的构成，靠的却是画家那“春蚕吐丝”的线条勾勒工夫。北齐的曹仲达画人的衣服紧贴身体，富于体积感；唐代的吴道子，画人的衣带随风飘举，富于运动感，都是用线条描画产生的独特效果。

3 从设色方面看

西洋绘画往往描绘特定光线下，物体反映出来的色光之间的复杂变化，而中国画则强调“随类赋彩”,以纯色平涂为主，把复杂的自然现象概括为一个主要的色调。例如，水的色彩，按照“随类赋彩”的原则，便是“春绿、夏碧、秋青、冬黑”。至于某一特定时间和光线下物象色彩的变化，以及暗部、反光、投影等色彩，则不在画家的考虑之内。

总之，中国传统绘画的特征反映出中国画独特的审美情趣。这就要求在欣赏和评论中国画时，必须把握我们民族传统的独特审美趣味，而不能用欣赏西洋绘画的眼光去对待它。

中国绘画所包含的审美趣味，首先是，中国画特别讲究神似，早在晋代，顾恺之就提出了“以形写神”的著名论点。拿人物画而言，中国画不仅真实地反映人物外貌，而且特别注重通过外貌反映人物的性格特征和精神面貌。在创作实践中，许多优秀的画家都把神似放在第一位。因此，我们在欣赏与评论中国画，尤其是古代画家的作品时，就不能单纯以“画得像不像”、“比例对不对”为标准。

其次，中国画注重意趣。所谓意趣指的是在作品中应该有一些含蓄的、可以让人回味、咀嚼的东西。如果透过画面，能使人产生联想，领略到一些画外之旨、弦外之音，那就有了意趣。如清初的八大山人朱耷笔下出现的许多独立寒枝、翻着白眼的鹌鹑、鸲鹆，就蕴含着独特的意趣，画面内容曲折地反映了画家在异族统治下的苦闷和不堪忍受的民族气节。

三 写好绘画评论应注意的几个问题

古今中外的绘画作品，种类和体裁繁多，形式和风格各呈异彩，因此，评论绘画进行艺术分析时，没有什么固定的模式可循，不存在可适用于一切绘画作品的统一评论规格。但有些经验是可以借鉴的，在此，提出以下应注意的几个问题，仅供写绘画评论时参考：

1 联系画家的思想、经历与作品产生的时代背景全面分析，不应孤立地就作品论作品

鲁迅说：“我总以为倘要论文，最好是顾及全篇，并且顾及作者个人，以及他所处的社会状态，这才较为确凿。要不然，是很容易近乎说梦的。”鲁迅这里谈的是“论文”,其实也完全适用于“论画”。例如：俄国伟大的现实主义画家列宾，历时三年经过深思熟虑、呕心沥血创作的不朽名画《伏尔加河上的拉纤夫》。画面上，黑压压的排成长行的拉纤夫们，顶着灼人的酷日，在发烫的沙滩上徐徐而行。每一个拉纤夫都是衣衫褴褛，蓬头垢面，面部呈现出不同的表情，沉思的、愤然的、绝望的……如果我们不了解这幅名画产生时俄国社会的历史背景和画家对俄罗斯人民的热爱，就难以说清列宾为什么要创作这样一幅画，以及作品深刻的思想内容。

2 剖析绘画作品形象，揭示画家寄托的思想感情

不妨举高校教材《美术鉴赏》中人们对唐代名画《步辇图》的评论为例，书中是这样分析、评论这幅经典之作的：初唐杰出画家闫立本，擅长书画，尤精人物，具有很高的写实技巧，他的杰出作品《步辇图》真实地记录了一千三百多年前，汉藏民族之间亲密交往的重要历史事件，画中描绘贞观十五年(公元641年),唐太宗接见吐蕃王松赞干布的使者禄东赞来迎娶文成公主入藏时的情景。乘步辇的唐太宗威严平和，身穿藏服的禄东赞精干而谦恭，气氛亲切融洽。画家靠服饰、举止，特别是容貌神情，生动地刻画了藏族使者禄东赞的精神气质，他宽阔的额头上的几条长长的皱纹，与朴质的颜面和藏族特有装戴，不仅反映了生活在西藏高原的藏族人的特征，而且还表现了他的严肃、诚恳的性格和深沉的才智。画家在画中不仅描绘了李世民的外形特征，同时还表现了他的气质与风度，唐太宗眼睛平视，表情庄重，成功地表现了他对远道来的使者欢迎神情，和对公主远嫁吐蕃这一重大事件作出的果断决策，从而赞颂了当时正确的民族融合政策。此画为绢地工笔重彩，描绘人物精细，眉、须、发皆一根根描出，然后用色渲染。用笔沿着流利的“铁线描”(闫立本的线顾恺之的“高古游丝描”显得刚而粗，富于变化和表现力，后人称为“铁线描”)表现了绸缎衣裳的质感。这件作品，不仅是研究闫立本人物画的珍贵资料，而且形象地反映了唐蕃联姻这个著名的历史事件，具有重大的历史意义和文献价值。

这样详尽的近于复述的形象分析，对于没有机会看到原作的人固然是很必要的，就是对于能够看到原作的人，也会帮助他们深入理解和认识作品的思想内容和艺术特色，获得美感享受。对于某些内容比较深奥难解的绘画作品，这样的艺术分析，尤其是不可缺少的。

3 重视绘画的形式与技巧，分析作品的成功与不足

绘画评论不能仅仅告诉人们作品表现了什么内容，还应进一步说明这些内容是如何表现的。绘画作品作为直观的造型艺术，形式美与技巧运用问题是十分重要的，通过对作品形式与技巧的分析，不只是提示作品内容的表现途径，而且会提高人们对作品的鉴赏水平，了解作品哪些地方是成功的，哪些地方还存在着不足。我们知道， “风格即人”,甚至每一位富有创造性的画家，他的作品形式与技巧，也会有不同于其他人的独特之处。欧洲文艺复兴时期的大画家达 芬奇创作的名画《蒙娜丽莎》,具有极大的艺术魅力，几百年来无数的学者为蒙娜丽莎那“谜一般的微笑”,进行过种种的诠释。《蒙娜丽莎》的艺术魅力来自画家高超的技艺。达 芬奇擅长于“明暗转移法”(即明暗渐次递减),他以这种手法描画蒙娜丽莎的脸、胸、手部，非常柔和协调，富于立体感，使人物充满浮雕一样的美。画家又把人物放在一种好像临近黄昏时刻的柔和、多层次的光影中，使画面产生一种特有的朦胧的美感。他还用“空气透视法”,把起伏的山峰、蜿蜒的道路、河流等景物笼罩在迷蒙薄雾中，渐渐隐没于天边，这样的处理使情与景交相辉映、融合，构成了诗的意境。

参考文献：

[1] 陈洛加：《外国美术史纲要》,西南师范大学出版社，1997年版。

[2] 黄宗贤：《中国美术史纲要》,西南师范大学出版社，1993年版。